“Home Alone” refers to a condensed moment of being alone at home, when perception slows down.

Marco Stanke's works are not presented in a neutral white cube, but among furniture, lamps, and everyday objects. The apartment becomes a habitat and a stage for quiet coexistence. Art does not appear as autonomous, but as part of an existing constellation within an ensemble of things, such as the “Table Ronde Paris” by André Dubreuil or the lamps of the Akari series by Isamu Noguchi.

The boundaries between object and artwork, function and fiction, begin to blur. Stanke understands his works as “parts” of an open collective — a dynamic system that continually reforms itself. It is the idea of a mobility in which there is no fixed hierarchy and no final form.

“Home Alone” conceives of the living space as a living organism whose constellations shift, and in which things assume a collective form of presence.

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„Home Alone“ meint einen verdichteten Moment allein zuhause, bei dem der Blick langsamer wird.

Die Arbeiten von Marco Stanke sind nicht im neutralen White Cube präsentiert, sondern versammeln sich zwischen Möbeln, Leuchten und Alltagsgegenständen. Die Wohnung wird zum Habitat und zur Bühne einer stillen Koexistenz. Kunst erscheint nicht als autonom, sondern als Teil eines bestehenden Gefüges inmitten eines Ensembles aus Dingen, wie der „Table Ronde Paris“ von André Dubreuil oder den Leuchten der Akari-Serie von Isamu Noguchi.

Die Grenzen zwischen Gebrauchsobjekt und Kunstwerk, Funktion und Fiktion verschwimmen. Stanke versteht seine Werke als „Teile“ eines offenen Kollektivs – ein dynamisches System, das sich immer wieder neu formiert. Es ist die Idee einer Mobilität, in der es keine feste Hierarchie und keine endgültige Gestalt gibt.

“Home Alone” denkt den Wohnraum als lebendigen Organismus, dessen Konstellationen sich verändern und in dem die Dinge eine kollektive Form von Präsenz annehmen.

Dates: May 15 to July 31
Opening: May 13, 2026, 6-8 p.m. 
Opening Hours: Thursday to Saturday, 3-6 p.m. by appointment 
Artist talk with Marco Stanke and curator Dominik Blais on Thursday, May 21, 2026, at 7 p.m.

https://www.fuessinger-wolff.com
info@fuessinger-wolff.com
Phone +49 89 294260

Etage Projects is pleased to present a group exhibition bringing together FOS, Minjae Kim, Tomoya Matsuzaki and Freddy Tuppen, hosted at Galerie Lovaas on the occasion of Various Others 2026.

Staged across the gallery’s spaces, the exhibition convenes four artists whose practices move fluidly between sculpture, furniture and light - each operating at the threshold where the functional object becomes a carrier of narrative, material reflection and atmosphere.

Danish artist FOS presents a group of sculptural works, including Bit Petite Street Lamp, Diamond Table and the Den Frie wall lamp, extending his longstanding inquiry into social structures and the built environment. Minjae Kim contributes a constellation of works - two chairs, a table and a vase - continuing his exploration of inherited forms, ornament, and the quiet authority of craftsmanship. Tomoya Matsuzaki presents new pastels on found paper, where surface, time and gesture accumulate into delicate, layered images. Freddy Tuppen debuts a new body of work conceived specifically for the exhibition: a floor light, a wall light and a pendant, each responding to the spatial and atmospheric conditions of the gallery.

Together, the four practices articulate a domestic landscape unfolding in slow motion - light, form, surface and support - where objects are held at the point at which they begin to transform into something beyond their use.

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Etage Projects freut sich, anlässlich von Various Others 2026 bei Lovaas Projects eine Gruppenausstellung zu präsentieren, die FOS, Minjae Kim, Tomoya Matsuzaki und Freddy Tuppen zusammenbringt.

Die Ausstellung erstreckt sich über die gesamten Räumlichkeiten der Galerie und vereint vier Künstler, deren Schaffen fließend zwischen Skulptur, Möbel und Licht wechselt – wobei jeder an der Schwelle agiert, an der das funktionale Objekt zum Träger von Erzählung, materieller Reflexion und Atmosphäre wird.

Der dänische Künstler FOS präsentiert eine Reihe skulpturaler Arbeiten, darunter „Bit Petite Street Lamp“, „Diamond Table“ und die Wandleuchte „Den Frie“, und setzt damit seine langjährige Auseinandersetzung mit sozialen Strukturen und der gebauten Umwelt fort. Minjae Kim steuert eine Konstellation von Werken bei – zwei Stühle, einen Tisch und eine Vase – und setzt damit seine Erforschung überlieferter Formen, Ornamente und der stillen Autorität handwerklicher Kunst fort. Tomoya Matsuzaki präsentiert neue Pastellarbeiten auf gefundenem Papier, in denen sich Oberfläche, Zeit und Gestik zu zarten, vielschichtigen Bildern verdichten. Freddy Tuppen stellt erstmals eine neue, speziell für die Ausstellung konzipierte Werkreihe vor: eine Stehleuchte, eine Wandleuchte und eine Pendelleuchte, die jeweils auf die räumlichen und atmosphärischen Gegebenheiten der Galerie reagieren.

Gemeinsam artikulieren die vier Künstler eine häusliche Landschaft, die sich in Zeitlupe entfaltet – Licht, Form, Oberfläche und Träger –, in der Objekte an dem Punkt gehalten werden, an dem sie beginnen, sich in etwas zu verwandeln, das über ihren Gebrauchszweck hinausgeht.

May 14-20 2026, by appointment
Opening: May 13 , 2026, 5-7 p.m.

https://www.etageprojects.com
info@etageprojects.com

The project “Meta Flesh” brings together new media-oriented artists from Munich and Kiel in an exchange that is both artistic and theoretical, centered on the intersections of body, identity, and technology. At its core lies the transformation of the body within digital and hybrid experiential spaces. The dialogue between artists from the south and the north of Germany opens up a productive field of exchange, shaped by differing artistic approaches, theoretical perspectives, and institutional contexts. Together, the participants engage with phenomena such as virtual reality, avatar cultures, and the question of how technological developments are reshaping the perception and constitution of body and identity.

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Das Projekt „Meta Flesh“ bringt medienorientierte Künstler*innen aus München und Kiel in einem künstlerisch-theoretischen Austausch zusammen, der sich mit den Schnittstellen von Körper, Identität und Technologie auseinandersetzt. Im Zentrum steht die Transformation des Körpers in digitalen und hybriden Erfahrungsräumen. Der Dialog zwischen Künstler*innen aus dem Süden und dem Norden Deutschlands eröffnet ein produktives Feld des Austauschs, geprägt von unterschiedlichen künstlerischen Herangehensweisen, theoretischen Perspektiven und institutionellen Kontexten. Gemeinsam beschäftigen sich die Teilnehmenden mit Phänomenen wie Virtual Reality, Avatarkulturen sowie der Frage, wie technologische Entwicklungen die Wahrnehmung und Konstitution von Körper und Identität neu formen.

www.nebyula.space

Exhibition dates: 14 May – 17 May

Tony Cragg, presented by KARL&FABER at The Rope | Gallery

KARL&FABER presents the sculptural installation ‚Forminifera’ (1990) by Tony Cragg at The Rope | Gallery, as part of Various Others. Conceived as a twelve-part work in sandblasted, perforated plaster, the installation unfolds in space through a modular arrangement, with its dimensions adapting to the given architectural context. 

The 12 sculptures, each of them with an entirely unique form,(marked by fine perforations) convey a sense of fragility and lightness. They open up a wide field of associations, ranging from coral-like structures to organic formations, alluding to the title’s reference to foraminifera, a group of marine organisms. In this work, the biological dimension of Cragg’s practice becomes particularly evident.

Placed within the context of The Rope | Gallery — a space dedicated to collectible design and contemporary objects — the installation enters into a dialogue with the gallery’s current exhibition Avant-Brutalism, featuring works by Arno Declercq. Together, they extend a shared exploration of materiality and spatial perception across sculpture and design.

15.05 – 17.05.2026
Friday, 11 am – 9 pm
Saturday, 11 am – 6 pm
Sunday, 11 am – 4 pm

The art system, shaped by economic, Western, white and male power structures, still determines who is visible – and who is first positioned through name or origin. Mehmet & Kazim step outside of this logic. Their collaboration began in public space, where the only boundary was between legal and illegal surfaces, and developed through painting into installation, spatial and performative formats – into moving image and walkable theatre stages. The current large-scale “almost abstract” paintings bring this approach back to the surface.

Watercolour, collage and a fast, open process shape the image-making. Forms emerge, overlap and condense into structures that are both open and compact, the works becoming almost sculptural. A shifting spatiality unsettles the classical question of material. Red and white set the tone, extended into pink and violet – a move against identity-based readings and against the dark visual languages shaped by the sense of dead-end in the present. With humour and breaks, kitsch becomes productive and sets another position: no escape into dystopia, but an insistence on ambivalence. Questions of masculinity are addressed openly, without simplified counter-images or victim positions.

What defines the work is the collaboration: two artists developing one image together – through exchange, speed and trust. This requires stepping back as an author in favour of the work. In an individualised art history, this matters. Their painting is not a style but an ongoing decision – a precise, at the same time attentive way of engaging with their own history and social contradictions.

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Das Kunstsystem, geprägt von ökonomischen, westlichen, weißen und männlichen Machtstrukturen, bestimmt bis heute, wer sichtbar ist – und wer zunächst über Namen oder Herkunft verortet wird. Mehmet & Kazim entziehen sich dieser Logik. Ihre Zusammenarbeit begann im öffentlichen Raum, wo die einzige Grenze zwischen legalen und illegalen Flächen verlief, und entwickelte sich über Malerei hin zu installativen, räumlichen und performativen Formaten – ins Filmische und über begehbare Theaterbühnen. Die aktuellen großformatigen, "fast abstrakten Bilder" führen diesen Ansatz zurück zur Fläche.

Aquarell, Collage und ein schneller, offener Prozess prägen die Bildfindung. Formen entstehen, überlagern sich und verdichten sich zu offenen und zugleich kompakten, fast skulpturalen Gebilden. Eine bewegliche Räumlichkeit verschiebt die klassische Frage nach Materialität. Rot und Weiß dominieren, erweitert um Rosa und Violett – eine Setzung gegen identitäre Zuschreibungen und gegen jene düsteren Bildsprachen, die von der Perspektivlosigkeit der Gegenwart geprägt sind. Mit Humor und Brüchen wird Kitsch produktiv und setzt eine andere Haltung: keine Flucht in Dystopie, sondern ein Beharren auf Ambivalenz. Auch Fragen von Männlichkeit werden offen verhandelt, ohne vereinfachende Gegenbilder oder Opferposen.

Die besondere Qualität liegt in der Zusammenarbeit: Zwei Künstler entwickeln ein Bild gemeinsam – durch Austausch, Tempo und Vertrauen. Das verlangt, das Autor*innensubjekt zugunsten des Bildes zurückzustellen. In einer individualisierten Kunstgeschichte ist das bemerkenswert. Ihre Malerei ist kein Stil, sondern eine fortlaufende Entscheidung – ein präziser, zugleich liebevoller Umgang mit der eigenen Geschichte und gesellschaftlichen Widersprüchen.

Mehmet & Kazim

Fast abstrakte Bilder

@ MOUNT ANALOGUE STUDIOS 

Opening 15.05. at 3 pm

From 15 to 29 May:

Mon–Fri 10 am – 4 pm

Saturday 12 pm – 3 pm

Belgian designer Arno Declercq (b. 1994) grew up immersed in beauty and craft — shaped early by his father's passion for tribal artifacts from West Africa: objects never made as art, but as ritual tools defined by function, mystery, and meaning.

That foundation runs through everything he creates. His pieces are functional sculptures meant to live — furniture that breathes through material, with forms that feel both ancient and immediate. Wood and steel are central to his process; through burning, brushing, and patination, surfaces are not refined but revealed. Imperfections are controlled, creating a tension between rawness and precision.

The work sits between reduction and weight — clear without being minimal, strong without appearing heavy. Informed by architectural thinking and early 20th-century movements, each piece is understood as a structural presence within space. All work is produced by hand in the atelier, built to endure — its value unfolding quietly through use, aging, and time.

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Der belgische Designer Arno Declercq (geb. 1994) wuchs inmitten von Schönheit und Handwerkskunst auf – früh geprägt von der Leidenschaft seines Vaters für Stammesartefakte aus Westafrika: Objekte, die nie als Kunst geschaffen wurden, sondern als rituelle Werkzeuge, die durch Funktion, Geheimnis und Bedeutung definiert sind.

Diese Grundlage zieht sich durch alles, was er schafft. Seine Werke sind funktionale Skulpturen, die zum Leben bestimmt sind – Möbel, die durch das Material atmen, mit Formen, die sich zugleich uralt und unmittelbar anfühlen. Holz und Stahl stehen im Mittelpunkt seines Schaffensprozesses; durch Brennen, Bürsten und Patinieren werden Oberflächen nicht veredelt, sondern offenbart. Unvollkommenheiten werden kontrolliert, wodurch eine Spannung zwischen Rohheit und Präzision entsteht.

Die Arbeiten bewegen sich zwischen Reduktion und Gewicht – klar, ohne minimalistisch zu sein, stark, ohne schwer zu wirken. Geprägt von architektonischem Denken und den Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts wird jedes Stück als strukturelle Präsenz im Raum verstanden. Alle Arbeiten werden von Hand im Atelier gefertigt und sind auf Langlebigkeit ausgelegt – ihr Wert entfaltet sich still durch Gebrauch, Alterung und Zeit.

Arno Declercq
Avant-Brutalism
May 15- June 27, 2026
Opening: May 15, 6 p.m. (the designer will be present)

Experience the new collaboration with Spanish sculptor and installation artist David Magán in an exclusive presentation as part of Various Others. In his work, Magán explores the interplay between light, colour and space – an approach that is translated into textile form in a capsule collection. His geometric constructions meet the sensual signature style of Johnny Talbot and Adrian Runhof, merging to create a distinctive design language.

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Erleben Sie in einer exklusiven Präsentation im Rahmen der Various Others die neue Kooperation mit dem spanischen Bildhauer und Installationskünstler David Magán. Magán erforscht in seiner Arbeit das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Raum - ein Ansatz, der in einer Capsule Collection in textile Form übersetzt wird. Seine geometrischen Konstruktionen treffen auf die sinnliche Handschrift von Johnny Talbot und Adrian Runhof und verschmelzen zu einer eigenständigen Designsprache.

May 20, 2026, 4-8 p.m. 

https://www.talbotrunhof.com
event@talbotrunhof.com