Vectors - VO'26 Special

Herbert W. Franke & Harm van den Dorpel 
kuratiert von Margit Rosen

Herbert W. Franke (1927–2022) gehörte zu den ersten, die den Computer als künstlerisches Medium verstanden. Anfang der 1980er begann er mit einem Apple II Computer zu experimentieren. Seine kurzen Programme – oft weniger als dreißig Zeilen lang – erzeugen bewegte Strukturen aus Linien und Farbfeldern. Ihn interessierte, wie visuelle Komplexität, sogar Schönheit, aus mathematischen Regeln hervorgehen kann. 

Harm van den Dorpel (*1981) knüpft daran an und verändert die Perspektive. In Stained Unravel (2026), erstellt mit einem MacBook Pro mit M1 Chip, setzt ein zellulärer Automat Bildfelder in Bewegung. Farbe fungiert als Gedächtnis. Das Bild altert nach Regeln, die es nicht verbirgt.

Diese Werke werden am Forschungs- und Entwicklungsstandort von Apple in der Karlstraße ausgestellt, der zum Europäischen Zentrum für Chip-Design des Unternehmens zählt. Die Ingenieurteams arbeiten an bahnbrechenden Innovationen, darunter eigene Chip-Designs, Power Management und Funktechnologien, die in Apple Produkten weltweit zum Einsatz kommen.

Cem A. 
kuratiert von Hanns Lennart Wiesner

Various Others und der Bayerische Rundfunk präsentieren am Freitag, den 15. Mai, im Funkhaus des Bayerischen Rundfunks (BR) die Uraufführung von „Double Bind“ von Cem A., kuratiert von Hanns Lennart Wiesner. 

„Double Bind“ ist ein performatives Diskussionsformat, das Vertreter verschiedener Fachbereiche zu einem gemeinsamen Thema zusammenbringt: den widersprüchlichen Anforderungen, die unsere heutige Realitätskonstruktion prägen. Ein Moderator stellt nacheinander zwei Referenten identische Fragen. Einer antwortet im Rampenlicht, während der andere mit Kopfhörern wartet und nichts hören kann. Nur das Publikum hat Einblick in beide Perspektiven. Auf einer Leinwand hinter den Referenten visualisiert ein eigens entwickeltes KI-System die Schlüsselbegriffe jedes Referenten in Echtzeit und zeigt auf, wo ihre Aussagen übereinstimmen, voneinander abweichen oder sich gänzlich verfehlen. 

Bei dieser ersten Ausgabe von „Double Bind: On Reality“ sind die Teilnehmer:

    • Julia Barthel, investigative Datenjournalistin beim BR.

    • Prof. Dr. med. Niclas Broer, Leiter der Abteilung für plastische Chirurgie am Klinikum 

       Bogenhausen

    • Helena Ernst, Freiberufliche Restauratorin für moderne und zeitgenössische Kunst

    • Hannah Heinzinger, Moderatorin und Journalistin beim BR

    • Stuart McSpadden, Regisseur und Filmemacher beim BR

Neben den Diskussionen wird die großformatige aufblasbare Skulptur Untitled (Elephant in the Room) (2026) die Lobby des Funkhauses Bayerischer Rundfunk mit einer unübersehbaren Präsenz einnehmen und die Besucher dazu einladen, sich mit dem auseinanderzusetzen, was ihrer Meinung nach unangesprochen bleibt. In den Büroräumen wird Floor Pieces (2023–fortlaufend) den alltäglichen Arbeitsablauf, die Bewegungen und Gedanken der Mitarbeiter des BR unterbrechen, welcher Teil der ARD ist und damit einer der größten öffentlich-rechtlichen Rundfunkanstalten der Welt.

Paul Hance
kuratiert von Sebastian Hoffmann

Die in „Ichi-go ichi-e“ versammelten Arbeiten umfassen nahezu ein Jahrzehnt des Reisens, Sammelns, Adaptierens und Verbindens. In Paul Hances Praxis befinden sich Reisen und Produktion in einem Zustand fortwährender Wechselwirkung. Reisen erzeugen Objekte, Objekte erzeugen Reisen – beide werden zu Vehikeln des Austauschs.

Die für die BMW Foundation entwickelte Ausstellung beschäftigt sich still, aber nachdrücklich mit der Frage der Verbindung: wie Ideen reisen, wie Formen und Handwerk migrieren und wie Begegnungen dauerhafte Spuren hinterlassen.

Installiert im ehemaligen Postraum der Riemerschmid Brennerei, besetzt die Ausstellung einen Ort, der einst der Sortierung und Zirkulation von Waren und Korrespondenz diente. Es ist ein passender Rahmen für Hances Arbeiten, die sich ebenfalls mit den Wegen beschäftigen, auf denen Dinge reisen, und mit den Spuren, die solche Bewegungen hinterlassen.

Diese Durchlässigkeit von Orten, Materialien, Geschichten und Ideen ist in Werken eingeschrieben, die fließend zwischen Collage, Assemblage und Skulptur wechseln, auch wenn ihr eigentliches Medium vielleicht das Licht selbst ist. Hances Arbeiten erhellen Räume, anstatt sie lediglich zu besetzen. Sie laden den Blick dazu ein, Oberflächen ebenso wie Assoziationen zu durchdringen, und werfen Licht nicht nur auf Objekte, sondern auch auf die unsichtbaren Fäden, die sie miteinander verbinden.

Der Titel „Ichi-go ichi-e“ ist ein japanischer Ausdruck, der die Unwiederholbarkeit einer Begegnung beschreibt: ein einziges Mal, eine einzige Begegnung.

Katja Novitskova
kuratiert von Dr. Luisa Seipp

Die Intervention der Künstlerin Katja Novitskova bei Celonis verbindet zwei scheinbar unterschiedliche Welten – die verborgenen Netzwerke der Natur und die unsichtbaren Strukturen datenbasierter Prozesse. Novitskovas künstlerische Praxis richtet den Blick auf Kommunikationsformen jenseits des Menschlichen, auf Tiere, Pilze und mikrobiologische Systeme, deren komplexe Verflechtungen meist verborgen bleiben. Aus digitalen Bildarchiven und wissenschaftlichen Visualisierungen entwickelt sie raumgreifende Installationen, in denen sich organische und synthetische Logiken überlagern. Ihre Arbeiten zeigen, wie sehr unser Verständnis von Natur heute durch technologische Bilder geprägt ist, und wie sich der Blick vom äußeren Beobachten hin zu einem Eindringen in Daten und innere Prozesse verschiebt.Hier entsteht eine präzise Verbindung zu Celonis. Denn auch Process Mining macht verborgene Abläufe sichtbar, legt Muster, Abhängigkeiten und Rückkopplungen in Datenströmen offen. Natur und Unternehmen erscheinen so als vergleichbare dynamische und vielschichte Netzwerke, von unsichtbaren Beziehungen durchzogen. Novitskovas Arbeiten lassen diese Systeme neu betrachten. Als fragile, zugleich steuerbare Gefüge, in denen Wahrnehmung, Technologie und Kontrolle miteinander verbunden sind.

Anna-Sophie Berger
kuratiert von Lou von der Heyde

Das Skulpturenpaar Turm 1 und Turm 2 entstand 2020 für Anna-Sophie Bergers Einzelausstellung Duell im Bonner Kunstverein. Die Arbeiten bestehen aus Polarfleece, Tweed, Holz, Schrauben, Rädern und Klammern. Formal gehen die stufenförmigen Gebilde auf japanische Kaidan-Dansu zurück, modulare Treppenschränke, die in beengten Wohnverhältnissen Stauraum und Übergang zugleich organisieren. Bei Berger wachsen diese kompakten Gebrauchsformen ins Architektonische, auf Rollen gesetzt, beweglich, provisorisch. Sie erinnern zugleich an überdimensioniertes Spielzeug und an Belagerungsgerät, als wäre das Mobiliar eines kleinen Raums ins Monumentale gekippt und dabei zwischen Häuslichkeit und Landnahme, zwischen Nest und Vormarsch in der Schwebe geblieben. Susanne Mierzwiak liest die Arbeiten mit Michel de Certeaus Begriff der „Taktik“: nicht als Handeln aus gesicherter Position, sondern als improvisierte Nutzung von Lücken und fremden Räumen. Der Kontrast zwischen weichem, primärfarbigem Polarfleece und steifem Tweed verschärft diese Ambivalenz, zwischen Spiel und Disziplin, kindlicher Geste und sozialem Dresscode.

Julius Niemeyer

Skia (σκιά, griech.: Schatten) ist eine kinetische Lichtinstallation, bestehend aus drei hängenden Zylindern — den sogenannten Phantomen. Angetrieben von Industriemotoren und gesteuert durch ein Sensorsystem, das die Anwesenheit von Besucher*innen registriert, reagieren die Objekte auf das Verhalten im Raum: Sie weichen zurück, senken sich ab, kehren in ihre Ausgangsposition zurück.

Die Installation denkt Platons Höhlengleichnis weiter: Die Schatten an der Wand sind nicht Abbild einer Wahrheit dahinter, sondern Produkt eines Systems, das auf seine Beobachter:innen reagiert. Jeder Zylinder agiert als autonomes Objekt — als Agent — dessen Verhalten weder vollständig vorhersehbar noch vollständig kontrollierbar ist. Skia verhandelt damit den Beobachtereffekt der Quantenphysik ebenso wie Donna Haraways Begriff des situierten Wissens: Was wir sehen, ist immer schon durch unsere Position, unsere Anwesenheit geformt.

Anna Ehrenstein, Sunny Pfalzer, Lucy Tomasino, Alexa Evangelista und Josh Davila 
& Schirin Kretschmann
kuratiert von Dr. Claudia Tittel

Cripto Sirenas ist ein kollaboratives, spekulatives Sci-Fi-Universum der Künstler:innenAnna Ehrenstein, Sunny Pfalzer, Lucy Tomasino, Alexa Evangelista, das sie gemeinsam mit dem Web3-Theoretiker Josh Davila entwickelt haben. Das Werk verbindet 360°-Video, Skulptur, Mixed-Media-Assemblagen und choreografische Fotografie zu einer immersiven Erzählung über Tech‑Solutionism, Körperpolitik und fluid-futuristische Zukunftsvisionen. In Anlehnung an theoretische Positionen von Donna Haraway, Rosi Braidotti oder Astrida Neimanis versteht Cripto Sirenas Körper als relationale, durchlässige und wässrige Assemblagen, die sich in ständiger Wechselwirkung mit technologischen, ökologischen und sozialen Kräften befinden. Die Arbeit reflektiert nicht nur die politischen und ökologischen Implikationen von Krypto-Infrastrukturen, sondern setzt sich zugleich mit den ästhetischen und affektiven Kulturen digitaler Plattformen auseinander, insbesondere mit Praktiken performativer Selbstinszenierung, algorithmischer Zirkulation und neuen Formen digitaler Körperbilder. Im OSKAR entfaltet Cripto Sirenas eine doppelte Wirksamkeit: Zum einen erzeugt die Installation eine starke ästhetische Präsenz, in der die Sirenas als fluide, technoorganische Figuren erscheinen, die die ästhetischen und affektiven Regime digitaler Sichtbarkeit zugleich spiegeln und unterlaufen. Zum anderen wird diese Sichtbarkeit räumlich erfahrbar: Die Arbeit bildet eine membranhafte Schwelle zwischen Arbeitsumgebung und spekulativem Raum und verweist damit auf die Konstruiertheit und Performativität von Wahrnehmung im digitalen Zeitalter.

Im deutlichenKontrast zur Arbeit Cripto Sirenas, in der ein temporäres Künstler:innenkollektiv, techno-organische Bildwelten entwickelt, sind die künstlerischen Setzungen Kretschmanns leise und zurückhaltend. Kretschmann arbeitet mit sensiblen Eingriffen, die sie aus der bestehenden architektonischen Infrastruktur entwickelt. Das OSKAR, ein Space‑as‑a‑Service‑Modell, in dem flexible Arbeitsmodelle, standardisierte Repräsentationsräume und unsichtbare digitale Infrastrukturen an einem Ort koexistieren, wird dabei selbst zum Untersuchungsgegenstand. Kretschmann wendet sich einerseits dem stark durchgestalteten Raum selbst zu, zugleich interessiert sie sich für die peripheren Bereiche des Gebäudes.  Im Foyer treten alltägliche Elemente aus ihrem Zusammenhang heraus. Der Körper bleibt dabei implizit - als Spur des Abwesenden. Am selben Ort finden die Besucher:innen iPads, auf denen Videos We Are The Robots zu sehen sind. Die Aufnahmen entstanden mit einem iPhone, das auf einem Staubsaugerroboter befestigt war und Durchgangsbereiche der eingemieteten Firmen filmte. Sie zeigen keine repräsentative Architektur, sondern Zwischenräume, Ränder, Decken, Übergänge und infrastrukturelle Bereiche. Indem Kretschmann diese peripheren Zonen sichtbar macht, tritt an die Stelle des Vordergründigen das, was den Raum trägt. So richtet sich der Blick weniger auf die Architektur selbst, sondern auf das, was sich zwischen ihr und ihrer Nutzung ereignet.

Younsik Kim
kuratiert von Dr. Dominik Bais

In dieser Ausstellung werden Skulptur, digitale Infrastruktur und Nachkriegsarchitektur miteinander verbunden, um die verborgene Materialität künstlicher Intelligenz zu erforschen. Im Münchner Tucherpark, einem von Sep Ruf und Karl Kagerer entworfenen Komplex im Stil der Moderne, werden die Arbeiten des in München lebenden Künstlers Younsik Kim präsentiert. Dessen Installationen untersuchen die Beziehung zwischen physischer Materie und immateriellen Systemen. 

Kims Skulpturen verbinden Keramik, Metall, Klang, Licht und mechanische Elemente zu komplexen, apparatartigen Konstruktionen, die minimale digitale Signale in Form von Text- oder Bildfragmenten anzeigen. Indem sie einfache Informationen in skulpturale Ereignisse verwandeln, offenbaren die Werke die immensen physischen Infrastrukturen, die der zeitgenössischen digitalen Kultur zugrunde liegen und die normalerweise verborgen bleiben. Die Ausstellung befindet sich über einem solchen Rechenzentrum von Polarise und stellt eine Verbindung zwischen sichtbaren und verborgenen Räumen her. Dabei verknüpft sie künstlerische Reflexion mit den betrieblichen Realitäten der KI-Infrastruktur. 

Vor dem Hintergrund der ständigen Flut konsumierbarer digitaler Medien lenken Kims Arbeiten die Aufmerksamkeit auf die physischen Systeme, die die immaterielle Welt der Bilder, Informationen und Algorithmen stützen. Sie untersuchen, wie zeitgenössische Technologien um die Aufmerksamkeit der Menschen konkurrieren, während sie selbst materiell unsichtbar bleiben, aber auf Energie, Hardware, Kühlsysteme und architektonischen Raum angewiesen sind. Damit bietet die Ausstellung eine sinnliche und kritische Perspektive auf die Infrastrukturen, die die Wahrnehmung im digitalen Zeitalter prägen.

Ariel Schlesinger
kuratiert von Hanns Lennart Wiesner

Die Ausstellung vereint Collagen, Filme und Skulpturen von Ariel Schlesinger, der zwischen Brooklyn und Berlin lebt und arbeitet. Gemeinsam erinnern uns diese Werke daran, dass es im völligen Chaos auch Ruhe und Beharrlichkeit gibt, dass manche Zufälle eher konstruierte Systeme sind und dass Feuer nicht nur auslöscht, sondern auch die Fähigkeit besitzt, beispielsweise verschiedene Ebenen der Verflechtung sichtbar zu machen. Feuer nimmt in Schlesingers Werk verschiedene Rollen ein: Es ist sein erleuchtender Mitstreiter, eine transformative Kraft, ein nährendes Paradoxon und eine ausgesetzte Katastrophe – alles zugleich.

In den letzten zwei Jahrzehnten hat Schlesinger eine Praxis entwickelt, die von präzisen Beobachtungen, einem ständigen Spiel mit Erwartungen und einer humorvollen Perspektive auf den Alltag geprägt ist. Der Prozess beginnt mit dem Interesse daran, was Objekte wissen könnten und was sie uns zu erzählen bereit sind, wenn wir nur abwarten. Daraus entsteht eine Art poetische Konstruktion von Objekten, Momenten und Situationen.